Le virtuose transatlantique entre tradition académique et modernité impressionniste exposé au musée d’Orsay
Introduction : contexte et enjeux d’une carrière exceptionnelle
John Singer Sargent incarne l’une des figures les plus fascinantes et paradoxales de l’art occidental de la seconde moitié du dix-neuvième siècle. Peintre américain né à Florence et formé à Paris, ce cosmopolite accompli navigua toute sa vie entre plusieurs mondes : l’Europe et l’Amérique, l’académisme et l’impressionnisme, la tradition de Vélasquez et les audaces picturales de son temps. Sa trajectoire singulière interroge les frontières entre classicisme et modernité, entre convention sociale et liberté artistique, entre virtuosité technique et expression personnelle.
L’œuvre de Sargent, d’une ampleur considérable – environ neuf cents toiles, plus de deux mille aquarelles et d’innombrables dessins – témoigne d’une maîtrise picturale rarement égalée. Portraitiste de la haute société européenne et américaine, il fut également paysagiste subtil, aquarelliste virtuose, muraliste ambitieux et artiste de guerre. Sa capacité à saisir l’individualité de ses modèles tout en les inscrivant dans leur époque fait de lui un chroniqueur essentiel de la Belle Époque et de l’âge doré américain. Pourtant, cette même virtuosité qui assura son triomphe de son vivant le condamna, après sa mort, à plusieurs décennies d’oubli critique, avant une réévaluation majeure à partir des années 1970.
Comprendre Sargent, c’est saisir les contradictions fécondes d’une époque charnière où l’ancien monde aristocratique côtoyait les prémices de la modernité, où la peinture académique résistait aux assauts de l’avant-garde impressionniste et postimpressionniste. C’est aussi mesurer l’habileté d’un artiste qui sut intégrer des éléments de modernité sans jamais rompre totalement avec les conventions qui garantissaient son succès commercial. Sargent représente ainsi ce moment précis où l’art occidental hésitait encore entre deux mondes, celui de la tradition séculaire et celui des bouleversements à venir.
I. Itinéraires d’une vie nomade : formation et ascension
Les années d’enfance : une éducation européenne (1856-1874)
John Singer Sargent naît le 12 janvier 1856 à Florence, au sein d’une famille américaine expatriée dont l’errance européenne marquera profondément sa sensibilité artistique. Son père, Fitzwilliam Sargent, chirurgien ophtalmologue au Wills Hospital de Philadelphie, abandonne sa carrière prometteuse à la demande instante de son épouse Mary Newbold Singer. Celle-ci, traumatisée par la mort de sa fille aînée à l’âge de deux ans, fait une dépression nerveuse qui pousse le couple à s’installer définitivement en Europe dès 1854. Cette décision transforme les Sargent en perpétuels nomades, se déplaçant au gré des saisons entre la France, l’Allemagne, l’Italie et la Suisse, vivant modestement d’un petit héritage et des économies familiales.
L’enfance de John Singer Sargent se caractérise par cette vie itinérante qui lui interdit toute scolarité régulière. Sa mère, artiste amateur d’un certain talent, compense cette instabilité en encourageant très tôt son fils à dessiner. Elle lui fournit carnets et matériel, l’incitant à croquer les paysages des lieux visités et à copier les images de l’Illustrated London News, journal auquel la famille est abonnée. Le jeune Sargent se révèle un enfant turbulent, davantage attiré par les activités de plein air que par les études, mais il s’applique avec une remarquable assiduité sur ses dessins. Son père, espérant que l’intérêt de son fils pour les navires et la mer le conduirait vers une carrière dans la marine, lui fait donner quelques leçons d’aquarelle par Carl Welsch, peintre paysagiste allemand.
Cette éducation nomade s’avère cependant d’une richesse exceptionnelle. Sargent devient un jeune homme lettré, cosmopolite et accompli, parlant couramment le français, l’italien et l’allemand. Les déplacements incessants de la famille lui permettent de visiter musées et églises, de s’imprégner des chefs-d’œuvre de la Renaissance italienne. À dix-sept ans, il est décrit par sa mère comme volontaire, curieux, déterminé et fort, tandis que son père le qualifie de timide, généreux et modeste. Sargent écrit en 1874 cette phrase révélatrice : « J’ai appris à Venise à admirer Le Tintoret et à le voir comme venant seulement après Michel-Ange et Le Titien. » Cette connaissance intime des grands maîtres constitue le socle sur lequel s’édifiera sa formation artistique.
La formation parisienne : l’atelier de Carolus-Duran (1874-1878)
En mai 1874, à dix-huit ans, Sargent arrive à Paris, alors capitale incontestée du monde artistique européen. La ville, qui se remet de la guerre franco-prussienne et de la Commune, connaît une effervescence culturelle extraordinaire. Accompagné de son père, le jeune homme frappe à la porte de Carolus-Duran, portraitiste à succès réputé pour son enseignement novateur. Stupéfait par la qualité des dessins et esquisses présentés, le maître invite immédiatement Sargent à rejoindre son atelier privé du 81 boulevard du Montparnasse, fréquenté principalement par des élèves anglais et américains. Parallèlement, Sargent réussit le concours d’entrée à l’École des beaux-arts de Paris, où il suit les cours de dessin comprenant l’anatomie et la perspective, étudiant également avec Léon Bonnat. En 1877, il remporte une troisième médaille au concours de dessin d’ornement de l’institution.
L’enseignement de Carolus-Duran se révèle déterminant. Ce peintre, ami de Manet et de Monet, perçu par ses contemporains comme allié au camp moderniste, prône une approche audacieuse de la peinture. L’atelier dispense certes une formation académique traditionnelle exigeant une grande rigueur dans le dessin et la couche de fond, mais Carolus-Duran enseigne surtout la technique du travail alla prima, directement au pinceau sur la toile, à la manière de Vélasquez. Cette méthode, fondée sur un choix judicieux des tons de peinture, permet un épanouissement spontané de la couleur sans être lié au dessin de la sous-couche. Cet enseignement diffère sensiblement de celui dispensé dans l’atelier traditionnel de Jean-Léon Gérôme, où les Américains Thomas Eakins et Julian Alden Weir étudient à la même époque.
Sargent devient rapidement un élève vedette. Son camarade Julian Alden Weir, le rencontrant en 1874, écrit qu’il est « l’un de ses camarades les plus talentueux ; ses dessins sont comme ceux des maîtres anciens, et sa couleur est de la même veine ». Sa maîtrise parfaite de la langue française et son immense talent font de lui une figure à la fois populaire et admirée. En 1877, Carolus-Duran l’invite à collaborer avec lui à la réalisation d’une décoration de plafond pour le palais du Luxembourg, travail monumental intitulé la Gloire de Marie de Médicis, aujourd’hui installé au Louvre, qui inclut des portraits croisés du maître et de l’élève.
Grâce à son amitié avec Paul-César Helleu, rencontré en 1878 alors que Sargent a vingt-deux ans et Helleu dix-huit, le jeune artiste entre en contact avec les grandes personnalités du monde artistique parisien : Edgar Degas, Auguste Rodin, Claude Monet et James Abbott McNeill Whistler. Il partage également un atelier avec James Carroll Beckwith, son premier contact avec le monde des artistes américains expatriés. Ce réseau cosmopolite, nourri par les dîners du Cercle de l’Union artistique dont il devient membre grâce au parrainage de Carolus-Duran et du docteur Samuel-Jean Pozzi, constituera l’épine dorsale de sa carrière.
Les voyages formateurs : Espagne, Hollande et Venise (1879-1881)
Après avoir quitté l’atelier de Carolus-Duran, Sargent entreprend à l’automne 1879 une série de voyages qui s’avèrent décisifs pour son évolution artistique. Il se rend d’abord en Espagne, où il étudie avec passion les tableaux de Vélasquez au musée du Prado. Cette rencontre avec le maître sévillan constitue une révélation. Sargent considérera toujours Vélasquez comme « le plus grand peintre qui ait jamais existé », affirmation qu’il répétera à de nombreuses reprises. Il est fasciné par la modernité stupéfiante du maître espagnol : sa capacité à suggérer la forme avec une économie de moyens, son usage magistral des noirs et des gris, son audace gestuelle créant une impression de vie saisie sur le vif. Cette étude approfondie infuse durablement sa propre pratique, visible notamment dans les Filles d’Edward Darley Boit de 1882, dont l’intérieur fait écho aux Ménines.
Durant ce voyage espagnol, Sargent se passionne également pour la musique et la danse ibériques, qui réveillent son propre talent pour cet art. L’expression visuelle de cette passion se retrouve dans son œuvre majeure El Jaleo, achevée en 1882, représentation intense et dramatique d’une danseuse de flamenco qui révèle sa capacité à capter le mouvement et l’émotion. En 1880, suivant les traces de nombreux artistes contemporains, il voyage aux Pays-Bas, se rendant à Haarlem pour étudier de près le travail expressif au pinceau et les surfaces modulées des peintures de Frans Hals. En 1881, il rencontre Whistler à Venise, ville qui deviendra l’un de ses sujets de prédilection et où il retournera fréquemment tout au long de sa carrière.
Ces voyages ne sont pas de simples excursions touristiques mais de véritables campagnes de recherche artistique. Sargent réalise sur le vif une multitude d’études, scènes de genre et paysages qui nourrissent sa réflexion plastique. Ces œuvres, souvent peintes en extérieur, témoignent déjà de son intérêt pour les effets de lumière et de son habileté à saisir l’instantané, qualités qui le rapprocheront plus tard des impressionnistes.
II. Le triomphe parisien et le scandale de Madame X (1879-1885)
Les débuts au Salon : portrait de Carolus-Duran (1879)
En 1879, Sargent peint le portrait de son maître Carolus-Duran, œuvre décisive qui marque son entrée triomphale dans le monde artistique parisien. Ce portrait en pied, d’une virtuosité époustouflante, est présenté au Salon de Paris la même année. L’œuvre rencontre l’approbation générale et annonce la voie que suivra le jeune artiste. Le tableau constitue à la fois un hommage respectueux à son professeur – Sargent y ajoute une inscription se décrivant comme « élève affectueux » – et une déclaration d’indépendance artistique. Sur son revers, Carolus-Duran porte l’épinglette rouge de la Légion d’honneur, décernée pour sa contribution aux arts.
Henry James, figure majeure de la critique littéraire et artistique, écrit à propos de cette œuvre qu’elle offre le spectacle « un peu étrange » d’un talent qui, au seuil de sa carrière, n’a déjà plus rien à apprendre. Les critiques suggèrent même que l’élève a surpassé son maître. Cette exposition au Salon représente pour Sargent une vitrine essentielle qui lui assure des commandes. Le Salon, qui attire alors des centaines de milliers de visiteurs chaque année au Palais de l’Industrie sur les Champs-Élysées, demeure la plus grande exposition d’art contemporain en Europe. Pour un jeune peintre, c’est le lieu où il faut absolument se faire remarquer par l’administration des Beaux-Arts qui distribue les honneurs, par les critiques qui établissent les réputations et par les amateurs qui achètent et passent commandes.
L’ascension mondaine : entre portraits et scènes de genre (1880-1883)
Entre 1877 et 1885, Sargent expose tous les ans au Salon un ou plusieurs tableaux, alternant généralement portraits et peintures de voyage. Sa réputation grandit rapidement. Il fréquente désormais les cercles mondains, littéraires et artistiques parisiens. En 1881, il prend un luxueux atelier au 41 boulevard Berthier dans le dix-septième arrondissement, sympathisant avec ses voisins peintres Alfred Roll et Ernest-Ange Duez. Au restaurant Livenne, il côtoie ses aînés Paul Bourget, membre du Cercle, et Auguste Rodin, dont il peint le portrait. Il se lie avec le critique d’art Louis de Fourcaud et les femmes de lettres Emma Allouard-Jouan et Judith Gautier, dont les critiques élogieuses de ses œuvres contribuent à asseoir sa réputation.
Au cours de ces années prolifiques, Sargent produit certains de ses tableaux les plus audacieux et expérimentaux. En 1882, il peint le portrait de son amie proche Charlotte Burckhardt, The Lady with the Rose, œuvre très exposée et appréciée qui témoigne de l’attachement romantique qu’il éprouve envers elle. La même année, il réalise les Filles d’Edward Darley Boit, composition inhabituelle par son éclairage et sa structure spatiale qui évoque les Ménines de Vélasquez. Ces portraits révèlent l’individu et la personnalité de ses clients avec une acuité psychologique remarquable. Ses admirateurs les plus fervents le comparent déjà à Vélasquez, référence absolue qui le suivra toute sa vie.
Parallèlement à sa carrière de portraitiste, Sargent continue d’explorer d’autres voies. Il peint des scènes de genre, des intérieurs intimes comme la Fête familiale représentant Albert Besnard et sa famille, composition tronquée aux cadrages audacieux et au rendu non conventionnel des visages. Ces études expérimentales ont fréquemment pour sujets des amis artistes ou des gens aux goûts progressistes, et sont souvent offertes en cadeau. Elles témoignent de sa capacité à assimiler certains aspects de l’impressionnisme – touche fragmentée, étude de la lumière – tout en conservant une structure solide et une définition claire des volumes.
Le scandale de Madame X : apogée et chute (1883-1884)
En 1883, Sargent s’installe définitivement dans son atelier du boulevard Berthier et semble solidement établi à Paris. C’est cette année-là qu’il entreprend le portrait qui devait consacrer son génie mais qui provoquera au contraire le plus grand scandale de sa carrière. Virginie Amélie Avegno Gautreau, jeune Américaine créole originaire de La Nouvelle-Orléans, mariée à un riche banquier parisien, est alors l’une des beautés les plus célèbres du Paris mondain. Connue pour son teint d’une pâleur spectaculaire qu’elle accentue à l’aide de poudres lavande, ses tenues audacieuses et sa réputation sulfureuse d’adultère, elle incarne la « beauté professionnelle » de son époque.
Contrairement à la plupart de ses commandes, c’est Sargent qui sollicite Virginie Gautreau, convaincu qu’un portrait d’elle attirera une attention considérable lors du prochain Salon et accroîtra l’intérêt pour ses services. Il écrit à l’une de leurs connaissances communes : « J’ai grand désir de peindre son portrait et j’ai raison de croire qu’elle le permettra et s’attend à ce que quelqu’un propose un tel hommage à sa beauté. Vous pouvez lui dire que je suis l’homme d’un prodigieux talent. » La mère de Virginie, convaincue que ce portrait rehaussera la position sociale de sa fille, encourage l’entreprise. Sargent travaille pendant près d’une année entière à ce portrait, se rendant en Bretagne à la propriété estivale de Gautreau pour exécuter études préliminaires et esquisses. Le processus s’avère frustrant ; Sargent écrit à son amie l’écrivain Vernon Lee : « Votre lettre vient de me rejoindre, toujours dans cette maison de campagne à me débattre avec la beauté inpeignable et la paresse désespérante de Madame Gautreau. »
Le portrait achevé représente Virginie Gautreau de profil, vêtue d’une robe de satin noir près du corps retenue par des bretelles incrustées de pierres précieuses, le contraste saisissant entre son teint d’une blancheur spectrale et la couleur sombre de sa tenue créant un effet dramatique puissant. Dans la version originale présentée au Salon de 1884 sous le titre Portrait de Madame ***, la bretelle droite pend de l’épaule du modèle, détail provocateur qui suggère le prélude ou les suites d’une intimité sexuelle. La tête hautaine de profil, la position peu naturelle du corps, la peau associée à celle d’un cadavre, tout concourt à déclencher un scandale retentissant.
L’accueil lors de l’ouverture du Salon est désastreux. Ralph Wormeley Curtis, qui accompagne Sargent, écrit qu’il y a « un grand tapage devant le tableau toute la journée ». Tandis que certains artistes louent le style audacieux de Sargent, la réaction du public est massivement négative. Curtis rapporte : « Toutes les femmes ricanent. Ah voilà la belle ! Oh quelle horreur ! » La revue Art Amateur qualifie l’œuvre d’« offense volontaire » et d’« exagération délibérée de toutes ses excentricités vicieuses, simplement dans le but de faire parler de lui et de provoquer la polémique ». La Vie Parisienne publie une caricature de Madame X montrant Gautreau la poitrine exposée, avec cette légende : « Mélie, ta robe tombe ! C’est fait exprès. Et laisse-moi tranquille, veux-tu ? »
Sargent est profondément meurtri. Curtis écrit : « John, pauvre garçon, était navré. » Virginie Gautreau l’est tout autant ; sa mère supplie l’artiste de retirer le tableau du Salon, ce qu’il refuse. Face au tollé, Sargent repeint finalement la bretelle tombée pour la remettre en place sur l’épaule, mais résiste aux pressions visant à modifier davantage l’œuvre. Il retire ensuite le portrait de toutes les expositions ultérieures pour le garder enfermé dans son atelier jusqu’en 1905. Virginie Gautreau, publiquement humiliée et moquée pour sa vulgarité américaine, se retire partiellement de la vie sociale parisienne, détruit tous les miroirs de sa demeure, tyrannisée jusqu’à sa mort en 1915 par ce portrait qui immortalise sa beauté au moment même où celle-ci commence à se faner.
Pour Sargent, les conséquences sont doubles. Si sa réputation est temporairement écornée – il dira plus tard que le scandale l’a « davantage blessé que tout autre événement de sa vie » –, le tableau assure paradoxalement sa notoriété internationale. Beaucoup de critiques, même ceux qui jugent qu’il est allé trop loin, reconnaissent que son talent est incomparable et que le portrait est saisissant. L’un d’eux prophétise : « La postérité n’oubliera pas Sargent. » L’artiste lui-même affirmera en 1916 que Madame X est « la meilleure chose qu’il ait jamais faite ».
Le départ pour Londres (1885)
À la suite du scandale, Sargent prend la décision de quitter Paris pour Londres. Plusieurs facteurs motivent ce choix. D’une part, la réception hostile de Madame X rend sa position parisienne inconfortable. D’autre part, il a déjà été sollicité pour peindre des membres de la famille Vickers en Angleterre et a rencontré le romancier Henry James, qui s’est montré impressionné tant par l’homme que par son œuvre. James, le décrivant comme « civilisé jusqu’au bout des ongles », déploie une énergie considérable pour l’introduire et le promouvoir dans la société londonienne. En 1886, Sargent s’établit définitivement à Londres, où il s’installe au 31 Tite Street à Chelsea, puis au 33 de la même rue.
Ce départ marque une transition décisive. Si Paris fut le lieu de sa formation et de ses audaces les plus provocantes, Londres deviendra celui de sa consécration internationale et de sa carrière la plus fructueuse. La capitale britannique, moins avant-gardiste que Paris mais dotée d’une aristocratie fortunée avide de portraits, offre à Sargent le terrain idéal pour exercer pleinement son talent de portraitiste tout en poursuivant ses explorations picturales dans d’autres directions.
III. L’apogée londonien et la diversification artistique (1885-1907)
Le portraitiste de la haute société anglo-américaine
À Londres, Sargent connaît rapidement un succès considérable. Son premier triomphe majeur à la Royal Academy a lieu en 1887 avec Carnation, Lily, Lily, Rose, grande composition peinte en plein air représentant deux fillettes allumant des lanternes dans un jardin anglais au crépuscule. Cette œuvre, qui révèle l’influence de l’impressionnisme dans son traitement de la lumière et de l’atmosphère, est acquise par la Tate Gallery et établit définitivement sa réputation britannique. La peinture témoigne de sa capacité à créer des effets lumineux subtils tout en maintenant une clarté de composition et une définition des formes qui la distinguent de l’impressionnisme français pur.
Au tournant du siècle, Sargent devient le portraitiste le plus demandé et le mieux rémunéré de son temps. Sa clientèle se compose de l’élite sociale, politique et culturelle européenne et américaine. Il réalise les portraits de personnalités aussi diverses que l’académicien Édouard Pailleron et son épouse Marie Buloz, Auguste Rodin, John D. Rockefeller, Robert Louis Stevenson, les présidents Theodore Roosevelt et Woodrow Wilson, ou encore le roi Édouard VII. Sa renommée est telle que certains clients traversent l’Atlantique spécialement pour qu’il réalise leur portrait. Sa technique virtuose, sa capacité à flatter ses modèles tout en révélant leur psychologie, son habileté à rendre les textures des étoffes et la qualité de la lumière font de lui le maître incontesté du portrait mondain.
Cependant, cette activité lucrative mais répétitive finit par le lasser. Il confie : « Peindre un portrait pourrait être amusant, si l’on n’était pas contraint de faire la conversation en travaillant. C’est accablant d’entretenir le client et de paraître heureux alors qu’on se sent malheureux. » Sa renommée est alors considérable et les musées se disputent ses œuvres. Il décline le titre de chevalier proposé par la couronne britannique, préférant conserver sa citoyenneté américaine. En 1907, soulagement manifeste dans sa correspondance, Sargent annonce qu’il arrête définitivement la réalisation de portraits sur commande pour se consacrer aux paysages et aux aquarelles, formes d’expression qu’il juge plus libres et personnelles.
La relation à l’impressionnisme : Monet et Giverny
La relation de Sargent à l’impressionnisme constitue l’un des paradoxes les plus révélateurs de sa pratique artistique. Ami proche et admirateur sincère de Claude Monet, avec qui il peint côte à côte à Giverny lors de plusieurs séjours à partir de 1885, il collectionne les œuvres de Monet et le soutient financièrement. En 1885, lors de sa première visite au maître français installé depuis deux ans dans le village normand, Sargent réalise l’un de ses portraits les plus impressionnistes : Claude Monet peignant à l’orée d’un bois. Cette toile représente Monet au travail en plein air, accompagné probablement d’Alice Hoschedé assise dans l’herbe. La scène de plein air, la rapidité de la touche et les couleurs claires attestent de l’influence directe du maître de Giverny.
Dans les années 1880, Sargent participe à des expositions impressionnistes et commence véritablement à peindre en extérieur. Il achète quatre toiles de Monet pour sa collection personnelle. Suivant une inspiration similaire, il réalise un portrait de son ami Paul Helleu peignant également à l’extérieur avec sa femme à ses côtés. À l’été 1888, travaillant à Calcot Mill dans l’Oxfordshire, il se rapproche encore davantage du style de Monet. Son tableau Une promenade matinale évoque l’œuvre que Monet réalisa en 1886 de sa future belle-fille Suzanne Hoschedé, également vêtue de blanc et portant une ombrelle en plein air. La composition de Sargent est baignée de lumière estivale brillante produisant un effet pommelé dans la robe et l’herbe.
Pourtant, Sargent ne devient jamais un impressionniste au sens strict. Là où Monet dissout la forme dans la vibration de la lumière, Sargent conserve toujours une structure solide, une définition claire des volumes et une attention à la psychologie du personnage. Il adopte certains principes du mouvement – la touche visible, l’importance de la lumière naturelle, la pratique du plein air – mais refuse la dissolution du sujet. Monet dira d’ailleurs plus tard : « Ce n’est pas un impressionniste au sens où nous l’entendons, il est beaucoup trop influencé par Carolus-Duran. » Ce choix n’est pas seulement esthétique mais relève aussi d’une stratégie de carrière : sa clientèle, issue de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie, attend des portraits ressemblants et flatteurs, non des expérimentations optiques.
La touche de Sargent présente néanmoins une modernité frappante. Vue de près, elle évoque par son autonomie gestuelle et sa liberté les abstractions lyriques du vingtième siècle. Vue de loin, elle recompose un réalisme parfait où mimétisme et ressemblance demeurent intacts. Cette dualité constitue l’un des paradoxes fondamentaux de son art : une virtuosité technique au service d’un conservatisme thématique et formel.
Les aquarelles : le journal intime d’un voyageur insatiable
À partir du début du vingtième siècle, Sargent se consacre de plus en plus à l’aquarelle, médium dans lequel il développe un talent extraordinaire. Ces œuvres, réalisées lors de ses nombreux voyages à travers l’Europe, le Moyen-Orient et l’Afrique du Nord, constituent une sorte de journal de bord visuel. Spontanées et lumineuses, elles capturent des effets de lumière avec une liberté technique qui contraste avec la rigueur de ses portraits officiels. Sargent voyage sans relâche, peignant Venise, les Alpes (notamment le col du Simplon), l’Espagne, la Corfou, le Tyrol, ou encore du Montana à la Floride.
Ces aquarelles révèlent une facette plus intime et expérimentale de son art. Débarrassé des contraintes de la commande et du regard du client, Sargent se laisse aller à une plus grande audace dans le traitement de la couleur et de la lumière. Ses aquarelles de Venise, notamment, comptent parmi les plus accomplies du genre, captant l’atmosphère unique de la Sérénissime avec une économie de moyens et une justesse de ton remarquables. Ces œuvres connaissent un succès considérable auprès des collectionneurs et des musées. En 1909, le Brooklyn Museum of Art acquiert quatre-vingt-trois aquarelles de Sargent, témoignant de la reconnaissance critique de cette production longtemps considérée comme secondaire.
Les peintures murales : l’ambition monumentale
Parallèlement à sa carrière de portraitiste et d’aquarelliste, Sargent entreprend à partir de 1890 un projet monumental qui l’occupera pendant près de trente ans : la réalisation de peintures murales pour la Boston Public Library. Ce cycle décoratif, intitulé le Triomphe de la Religion, explore les moments clés du paganisme, du judaïsme et du christianisme. Le projet, ambitieux et controversé – pourquoi choisir des sujets religieux pour décorer les murs d’un bâtiment public et laïc ? –, témoigne de sa volonté de s’inscrire dans la grande tradition de la peinture monumentale européenne.
Le choix du thème religieux s’impose à Sargent après qu’il a d’abord envisagé des thèmes tirés de la littérature espagnole. Entre 1890 et 1919, année de la dernière installation, il consacre des mois chaque année à ce travail exigeant, effectuant de nombreux voyages de recherche en Espagne, en Italie et au Proche-Orient pour étudier l’iconographie religieuse. L’œuvre complète comprend des éléments en relief, des groupements sculpturaux et des surfaces texturées, constituant une installation artistique totale d’une rare complexité. En 1916, il installe la Madone des Sept Douleurs, aboutissement de plus de vingt ans de recherches sur l’iconographie religieuse espagnole.
Bien que ce projet lui apporte une satisfaction intellectuelle et artistique considérable, il suscite également des controverses. En 1922, l’installation de panneaux représentant l’Église et la Synagogue déclenche des protestations de la communauté juive de Boston, qui y voit une représentation offensante. Malgré ces polémiques, le cycle des peintures murales de la Boston Public Library demeure l’une des réalisations majeures de Sargent, révélant des facettes de son talent – la composition monumentale, l’exploration symbolique, la maîtrise de l’allégorie – généralement occultées par sa renommée de portraitiste. Il réalisera également des peintures murales pour le Museum of Fine Arts de Boston et la Widener Library de Harvard.
IV. Les dernières années et l’engagement guerrier (1907-1925)
L’abandon du portrait et la liberté retrouvée
Après 1907, libéré du fardeau de la commande portraitiste, Sargent connaît une période de créativité renouvelée. Il se rend fréquemment aux États-Unis lors de la dernière décennie de son existence, dont un séjour prolongé de deux ans entre 1915 et 1917. Il peint intensément, privilégiant les paysages, les aquarelles et les scènes de genre. Ses compositions de cette période témoignent d’une spontanéité et d’une liberté accrues. Des œuvres comme Nonchaloir (Repose) de 1911, représentant sa nièce Rose-Marie Ormond dans une pose langoureuse, révèlent une sensualité et une audace de composition qui n’auraient pas été possibles dans le cadre contraignant du portrait mondain.
Cette période voit également l’achèvement de plusieurs de ses aquarelles les plus accomplies. Le Col du Simplon, lecture (vers 1911), conservé au Museum of Fine Arts de Boston, illustre parfaitement sa maîtrise du médium : la lumière filtrée à travers les arbres, les jeux d’ombre et de lumière sur les vêtements des personnages, la spontanéité de la touche créent une impression de moment saisi sur le vif d’une remarquable intensité. Ces œuvres, longtemps considérées comme mineures par rapport aux grands portraits, sont aujourd’hui reconnues comme essentielles à la compréhension de son génie artistique.
Sargent, artiste de guerre : Gassed (1918-1919)
La Première Guerre mondiale offre à Sargent une occasion inattendue de se réinventer. En 1918, à soixante-deux ans, il est nommé artiste de guerre officiel par le British War Memorials Committee et envoyé sur le front occidental. Ce qui aurait pu n’être qu’une mission honorifique donne lieu à l’une de ses œuvres les plus puissantes et poignantes : Gassed, monumentale toile achevée en 1919 représentant des soldats britanniques aveuglés par le gaz moutarde guidés vers un poste de secours.
L’œuvre, de format panoramique (231 × 611 centimètres), représente une file de soldats aux yeux bandés se tenant l’un l’autre, guidés à travers un champ de bataille jonché de blessés. La composition, d’une solennité tragique, évoque les frises antiques tout en documentant avec une précision terrible les horreurs de la guerre moderne. Le traitement pictural, d’une maîtrise absolue, conjugue monumentalité classique et observation réaliste. Sargent passe des semaines sur le front, témoin direct de la souffrance des soldats, et transpose cette expérience dans une image qui transcende le simple reportage pour atteindre à l’allégorie universelle de la guerre.
Gassed témoigne de la capacité de Sargent à aborder des sujets éloignés de son répertoire habituel avec la même maîtrise technique et la même profondeur émotionnelle. L’œuvre, exposée à la Royal Academy en 1919, reçoit un accueil critique enthousiaste et est acquise par l’Imperial War Museum, où elle demeure l’une des pièces maîtresses de la collection. Ce tableau marque l’antithèse parfaite de ses portraits mondains : au lieu de célébrer la richesse et le pouvoir, il documente la souffrance et le sacrifice ; au lieu de la brillance superficielle, il atteint à une gravité monumentale.
La vie privée : l’énigme d’un célibataire
Sargent demeura toute sa vie un célibataire qui aimait s’entourer de sa famille et de ses amis, en particulier sa sœur Emily Sargent, elle-même aquarelliste talentueuse. Parmi les artistes qu’il fréquentait assidûment, on compte Dennis Miller Bunker, James Carroll Beckwith, Edwin Austin Abbey, Francis Davis Millet, Wilfrid de Glehn et sa femme Jane Emmet de Glehn, Albert de Belleroche dont il fit le portrait à maintes reprises, William Ranken, et bien sûr Claude Monet. Son amitié avec Paul-César Helleu, nouée en 1878, dura toute leur vie. Il comptait également parmi ses proches Henry James, Isabella Stewart Gardner qui commanda et acheta plusieurs de ses œuvres, et le roi Édouard VII.
La question de son orientation sexuelle a fait l’objet de nombreuses spéculations. Bien que des rumeurs aient circulé selon lesquelles il aurait été « presque fiancé » à deux reprises, il n’eut jamais de famille. L’analyse de ses nombreux dessins et quelques huiles de nus masculins, œuvres non exposées publiquement de son vivant, suggère de fortes inclinations homosexuelles que l’époque interdisait d’évoquer ouvertement. Il protégeait sa vie privée avec un zèle farouche, évitait les entretiens et, à la fin de sa vie, détruisit toute sa correspondance personnelle, ne laissant ainsi aucune biographie intime mais seulement les souvenirs de ses amis pour les descendants. Ses amis s’accordaient sur un point : John Singer Sargent était éperdument amoureux de son art et de sa liberté, deux passions qui ne laissaient guère de place à d’autres engagements.
La mort et l’héritage immédiat
John Singer Sargent meurt paisiblement dans son sommeil à son domicile londonien du 31 Tite Street le 14 avril 1925, à l’âge de soixante-neuf ans. Sa disparition suscite une émotion considérable dans le monde artistique international. Les nécrologies le saluent comme « le plus grand portraitiste contemporain » de son époque. Ses obsèques se déroulent en grande pompe, témoignant de la place éminente qu’il occupait dans la société britannique.
Cependant, dès le début du vingtième siècle, avant même sa mort, des voix critiques s’étaient élevées contre son art. Les modernistes, notamment le critique Roger Fry et le groupe de Bloomsbury, l’attaquaient violemment, le jugeant superficiel, brillant mais vide, simple flatteur de l’aristocratie prisonnier de conventions dépassées. À l’époque où Sargent termine le portrait de John D. Rockefeller en 1917, la plupart des critiques le considèrent déjà comme un maître du passé, « un brillant ambassadeur entre ses clients et la postérité ». Les modernistes le traitent plus durement encore, le percevant comme totalement déconnecté des réalités de la vie moderne et des tendances artistiques émergentes comme le cubisme, le fauvisme et le futurisme. Sargent accepte calmement ces critiques, tout en refusant de modifier son opinion négative à propos de l’art moderne.
V. Impact et héritage : de l’oubli à la redécouverte
Le discrédit de l’entre-deux-guerres
Après sa mort en 1925, la réputation de Sargent s’effondre rapidement face à la marée montante du cubisme, de l’expressionnisme et de l’abstraction. Son art, jugé virtuose mais sans âme, est largement ignoré pendant des décennies. Dans les années 1920 et 1930, le conformisme des critiques d’art, désireux de valoriser la transgression et l’avant-garde, conduit à dévaloriser systématiquement le savoir-faire des grands artistes du passé. En 1930, le critique Lewis Mumford évoque ainsi « la vacuité fondamentale de l’esprit de Sargent » et « la méprisante et cynique superficialité d’une grande partie de son travail ». Camille Pissarro déclare avec dédain : « Il n’était pas un passionné mais plutôt un interprète adroit. »
Cette hostilité critique reflète un changement de paradigme esthétique profond. L’époque exige la rupture radicale, la remise en cause des conventions, l’exploration de nouveaux langages visuels. Dans ce contexte, la virtuosité technique de Sargent, sa fidélité aux traditions du portrait, son refus des expérimentations formales radicales apparaissent comme les stigmates d’un conservatisme esthétique dépassé. Le fait qu’il ait été le portraitiste préféré de l’élite sociale et économique renforce cette perception d’un art au service des puissants, complice d’un ordre social que les avant-gardes cherchent précisément à contester.
La réévaluation critique (années 1960-2000)
La réévaluation de l’œuvre de Sargent commence dans les années 1960 et s’accélère dans les décennies suivantes. De grandes expositions rétrospectives organisées par les musées les plus prestigieux – la National Gallery of Art de Washington, la National Gallery de Londres, la Tate Gallery, le Museum of Fine Arts de Boston – permettent au public et aux critiques de redécouvrir un artiste occulté pendant un demi-siècle. En 1986, une exposition majeure à la Tate Gallery marque un tournant décisif. En 1999, le Museum of Fine Arts de Boston organise une rétrospective complète qui confirme le regain d’intérêt pour son œuvre.
Cette réévaluation s’accompagne d’un travail académique considérable. Les historiens de l’art, libérés des préjugés modernistes, peuvent désormais examiner objectivement la production de Sargent et reconnaître ses qualités intrinsèques : la modernité de ses aquarelles, la subtilité psychologique de ses meilleurs portraits, l’audace de sa technique picturale. Les chercheurs soulignent que la touche de Sargent, vue de près, anticipe certaines audaces de l’abstraction lyrique du vingtième siècle. Ils mettent en évidence la complexité de sa relation à l’impressionnisme, sa capacité à intégrer des éléments de modernité sans rompre avec la tradition, sa maîtrise exceptionnelle de la lumière.
Le contexte intellectuel a changé. Le postmodernisme, avec sa remise en question des hiérarchies esthétiques rigides et sa valorisation du pluralisme stylistique, permet une appréciation plus nuancée d’artistes comme Sargent. La virtuosité technique, longtemps dévalorisée au profit de l’innovation conceptuelle, retrouve une légitimité. Le marché de l’art joue également un rôle : les œuvres de Sargent atteignent des sommes considérables lors des ventes aux enchères, témoignant d’un engouement renouvelé des collectionneurs. En 2004, son portrait de Madame X est évalué à plus de dix millions de dollars.
L’héritage contemporain et la place dans l’histoire de l’art
Aujourd’hui, John Singer Sargent est considéré comme un artiste majeur, témoin essentiel et brillant d’une société en pleine transition, au crépuscule d’un monde. Son œuvre documente avec une acuité remarquable la Belle Époque européenne et l’âge doré américain, période charnière entre deux siècles marquée par d’ultimes fastes aristocratiques et les prémices de bouleversements sociaux et artistiques qui transformeront radicalement le vingtième siècle. Sa capacité à saisir l’individualité psychologique de ses modèles tout en révélant les codes sociaux de son époque fait de lui un chroniqueur incomparable.
L’influence de Sargent sur ses contemporains et les générations suivantes fut considérable. Portraitiste international le mieux payé de son temps, il influença toute une génération d’artistes américains qui cherchaient à combiner formation européenne et identité culturelle américaine. Des peintres comme William Merritt Chase, Childe Hassam ou Edmund Tarbell s’inspirèrent de ses innovations techniques et de son approche de la lumière. Sa virtuosité dans le rendu des étoffes, sa capacité à suggérer la forme avec une économie de moyens, son utilisation expressive de la touche demeurent des références pour les portraitistes contemporains.
Au-delà de son influence technique, Sargent incarne un moment particulier de l’histoire de l’art occidental : celui où la tradition académique millénaire rencontre les premières manifestations de la modernité, où le métier du peintre côtoie l’expression personnelle, où la virtuosité technique dialogue avec l’intuition impressionniste. Sa trajectoire illustre la possibilité d’une voie médiane entre conservatisme et avant-garde, entre respect de la tradition et innovation mesurée. Si cette position lui valut le mépris des modernistes radicaux, elle assure aujourd’hui la pérennité de son œuvre, accessible au grand public tout en continuant de fasciner les spécialistes.
VI. Le traitement par la littérature et l’image
La figure de Sargent dans la littérature contemporaine
L’œuvre et la personnalité de John Singer Sargent ont inspiré plusieurs ouvrages littéraires majeurs qui témoignent de la fascination durable qu’exercent tant l’homme que son art le plus emblématique. Le livre le plus influent demeure Strapless: John Singer Sargent and the Fall of Madame X, publié en 2003 par Deborah Davis. Cet ouvrage remarquablement documenté, fondé sur des archives privées et des matériaux jusqu’alors inexploités, reconstitue l’histoire du scandale de 1884 en explorant tant la biographie de Virginie Gautreau que celle de Sargent. Davis dépeint Virginie comme une mondaine narcissique dont la plus grande crainte était d’être ignorée, et suggère que Sargent, en raison de son infatuation et de sa confusion sexuelle, aurait conflé le profil de Gautreau avec celui du jeune artiste Albert de Belleroche dans ses esquisses et peintures.
L’ouvrage, qualifié par le Philadelphia Inquirer de « stupéfiant à propos d’une femme stupéfiante », offre un récit captivant de la création de l’œuvre que Sargent considérait comme sa meilleure réalisation. Kirkus Reviews salue « un récit vif, parfois haletant, de la création de l’œuvre […] Un commentaire fascinant sur l’évanescence de la gloire et de la beauté ». Le livre figure parmi les romans que tout amateur d’histoire de l’art devrait lire selon le site Bustle.com. Davis s’interroge sur les motivations de Sargent : « Tentait-il de punir Amélie d’une certaine manière ? En supprimant son nom de Madame X, il la dépouilla d’une prétention à l’immortalité. »
Un autre ouvrage notable est I Am Madame X: A Novel, publié en 2004 par Gioia Diliberto, qui adopte une approche de fiction historique pour explorer la vie de Virginie Gautreau. Ces deux livres, parus presque simultanément, témoignent d’un regain d’intérêt pour cette histoire au début du vingt et unième siècle. Plus récemment, Karen Corsano et Daniel Williman ont publié John Singer Sargent and His Muse: Painting Love and Loss (2022), qui explore l’installation des panneaux Église et Synagogue à la Boston Public Library en 1919 et leur dimension commémorative des pertes subies par Sargent durant la Première Guerre mondiale, notamment le décès de sa nièce bien-aimée.
La présence de Sargent dans la littérature ne se limite pas aux biographies ou aux fictions historiques. Henry James, ami proche de l’artiste, fait référence à lui dans plusieurs de ses écrits, louant son talent exceptionnel et sa position unique dans le monde artistique transatlantique. Les mémoires et correspondances de personnalités de l’époque – Isabella Stewart Gardner, Edith Wharton, Vernon Lee – contiennent de nombreuses mentions de Sargent, dressant le portrait d’un homme cultivé, réservé, totalement dévoué à son art.
Les catalogues d’exposition et monographies académiques
La production académique consacrée à Sargent s’est considérablement enrichie depuis les années 1980. Richard Ormond, petit-neveu de l’artiste et historien de l’art britannique, a joué un rôle crucial dans la réévaluation de son œuvre. Avec Elaine Kilmurray, il a publié un catalogue raisonné monumental en plusieurs volumes (1998-2016) qui demeure la référence absolue pour tout chercheur travaillant sur Sargent. Cet ouvrage exhaustif documente l’intégralité de la production picturale de l’artiste, accompagnant chaque œuvre d’une analyse détaillée, d’informations sur la provenance et d’une contextualisation historique.
Le catalogue de l’exposition John Singer Sargent: Portraits of Artists and Friends organisée par la National Portrait Gallery de Londres en 2015 offre une perspective particulièrement éclairante sur les réseaux artistiques de Sargent et sur sa pratique du portrait d’amis, moins contrainte que les commandes officielles. Sally Promey a publié Painting Religion in Public: John Singer Sargent’s Triumph of Religion at the Boston Public Library (1999), exploration magistrale et pionnière de la symbolique religieuse, de la structure et de l’histoire du cycle mural. Cet ouvrage demeure indispensable pour comprendre l’ambition monumentale de Sargent au-delà du portrait.
Plus récemment, le catalogue de l’exposition Sargent and Paris présentée au Metropolitan Museum of Art de New York et au musée d’Orsay en 2024-2025 marque un événement majeur. Conçue en partenariat entre ces deux institutions prestigieuses, l’exposition rassemble près de 130 œuvres majeures et redonne toute sa lumière à la période parisienne de Sargent, sans doute la plus décisive et la plus vibrante de sa carrière. Le catalogue, co-dirigé par Caroline Corbeau-Parsons et Paul Perrin, offre des analyses inédites fondées sur des recherches récentes et permet de mieux comprendre comment le jeune artiste américain conquit puis quitta la capitale française.
Représentations cinématographiques et documentaires
Contrairement à d’autres artistes majeurs comme Vermeer, Van Gogh ou Frida Kahlo, John Singer Sargent n’a pas fait l’objet de biopics cinématographiques de grande envergure. Cette absence relative s’explique peut-être par la difficulté à dramatiser une vie apparemment dénuée de passions tumultueuses visibles, malgré le scandale de Madame X. Néanmoins, plusieurs documentaires de qualité ont été consacrés à son œuvre.
En 2007, la BBC a produit un documentaire intitulé Sargent and the Sea, explorant sa relation à l’océan et aux paysages maritimes à travers ses aquarelles et peintures. Plus récemment, divers documentaires ont accompagné les grandes expositions rétrospectives organisées par les musées majeurs. Ces films privilégient généralement l’analyse des œuvres et le contexte historique plutôt que les aspects dramatiques de la biographie. L’épisode de la série télévisée Private Lives of the Impressionists diffusé sur la BBC a consacré un segment à Sargent et à ses relations avec le mouvement impressionniste français, en particulier son amitié avec Monet.
La Boston Public Library a produit plusieurs ressources vidéo documentant les peintures murales de Sargent, incluant des conférences d’experts et des analyses techniques menées lors de la restauration monumentale de 2003-2004. Ces documents, disponibles en ligne, offrent un accès inédit à ce chef-d’œuvre méconnu. En 2022, une série de conférences filmées intitulée The Sargent Lecture Series a rassemblé conservateurs, historiens et auteurs pour offrir de nouvelles interprétations des peintures murales un siècle après la controverse qui entoura leur installation finale en 1919.
Les expositions majeures et leur réception
Les expositions consacrées à Sargent constituent des événements majeurs du monde muséal international. La première grande rétrospective posthume s’est tenue au Museum of Fine Arts de Boston en 1925, immédiatement après sa mort. Suivirent des expositions en 1956 et une rétrospective complète en 1999 qui attira des dizaines de milliers de visiteurs. En 2013, le MFA a organisé une exposition spécifiquement consacrée à ses aquarelles, Sargent and the Sea, qui révéla au grand public cette facette méconnue de son génie.
En 2014, le musée des impressionnismes de Giverny a présenté l’exposition L’impressionnisme et les Américains, dans laquelle Sargent occupait une place centrale, mettant en lumière ses relations avec Monet et les artistes de la colonie américaine de Giverny. En 2015, la National Portrait Gallery de Londres a organisé Sargent: Portraits of Artists and Friends, se concentrant sur les portraits moins formels d’amis et de collègues artistes, révélant une spontanéité et une liberté rarement visibles dans les commandes officielles.
L’exposition la plus importante de ces dernières années, Sargent and Paris, ouverte au Metropolitan Museum of Art de New York en novembre 2024 puis présentée au musée d’Orsay à Paris de septembre 2025 à janvier 2026, marque un tournant dans la compréhension de l’artiste. Rassemblant plus de 90 œuvres dont certaines jamais exposées en France, elle retrace son parcours entre 1874 et 1884, de son arrivée à Paris comme élève brillant jusqu’au scandale qui le pousse à s’exiler à Londres. Cette exposition majeure, cent ans après la disparition de l’artiste, confirme définitivement la place de Sargent parmi les maîtres de la peinture occidentale.
L’iconographie populaire : Madame X dans la culture contemporaine
Le portrait de Madame X est devenu l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de l’art, dépassant largement le cercle des connaisseurs pour entrer dans la culture populaire. Comme le souligne Deborah Davis, l’image décore couvertures de livres et de magazines, cartes de vœux et économiseurs d’écran. Madame X a même été immortalisée sous forme de poupée Madame Alexander. En tant que peinture la plus fréquemment demandée pour des prêts au Metropolitan Museum of Art, elle voyage dans les musées du monde entier, participant à des expositions thématiques sur le portrait, la mode, ou la Belle Époque.
L’influence du portrait se manifeste également dans la mode et le design. En 1946, pour le numéro musical Put the Blame on Mame dans le film Gilda de Charles Vidor, le couturier Jean-Louis s’inspire de la robe visible sur le tableau de Sargent pour créer la tenue portée par Rita Hayworth. Tout comme Sargent dut, en raison du scandale, remettre en place la bretelle tombée, Jean-Louis créa un fourreau qui laisse nues les épaules de l’actrice. Dans la peinture comme dans le film, c’est le contraste entre le noir des robes et la blancheur des carnations qui attire les regards.
Cette présence dans la culture visuelle contemporaine témoigne de la puissance iconique du portrait. Madame X incarne un certain idéal de sophistication parisienne, de mystère féminin et d’élégance audacieuse qui continue de fasciner plus d’un siècle après sa création. Le fait que l’image soit immédiatement reconnaissable, même pour ceux qui ignorent le nom de Sargent ou l’histoire du scandale, atteste de son statut d’icône culturelle universelle.
Conclusion : un témoin essentiel de son époque
John Singer Sargent demeure une figure incontournable de l’histoire de l’art occidental, non seulement par la qualité intrinsèque de son œuvre mais aussi par ce qu’elle révèle d’une époque charnière. Artiste de transition entre académisme et modernité, entre Europe et Amérique, entre tradition et innovation, il incarna les contradictions fécondes de la fin du dix-neuvième siècle. Sa trajectoire exceptionnelle – d’expatrié cosmopolite formé dans les meilleurs ateliers parisiens devenant le portraitiste le plus recherché de l’aristocratie internationale – illustre les transformations sociales et culturelles d’une période où l’ancien monde aristocratique côtoyait les nouvelles élites économiques américaines.
La virtuosité technique de Sargent, unanimement reconnue même par ses détracteurs, ne constitue pas une fin en soi mais le moyen d’une expression picturale d’une rare subtilité psychologique. Ses meilleurs portraits transcendent la simple ressemblance pour révéler l’intériorité de leurs modèles, saisir l’esprit d’une époque, documenter les codes vestimentaires et sociaux d’une société en mutation. Sa capacité à intégrer des éléments de modernité impressionniste – la touche visible, l’importance de la lumière naturelle – tout en maintenant une structure formelle solide témoigne d’une intelligence artistique refusant les dogmes esthétiques au profit d’une synthèse personnelle.
La fortune critique de Sargent, marquée par un oubli de plusieurs décennies suivi d’une réévaluation majeure, interroge les mécanismes de construction des réputations artistiques et la variabilité des jugements esthétiques. Si les avant-gardes modernistes le rejetèrent comme représentant d’un académisme dépassé, les générations ultérieures, libérées des injonctions à la rupture radicale, purent redécouvrir un artiste aux multiples facettes dont l’œuvre, d’une richesse insoupçonnée, continue de livrer ses secrets.
Aujourd’hui, un siècle après sa disparition, John Singer Sargent apparaît comme un témoin essentiel et brillant d’une société au crépuscule d’un monde. Son œuvre, d’une ampleur considérable et d’une variété remarquable – portraits mondains, aquarelles intimistes, peintures murales monumentales, scènes de guerre poignantes –, offre un panorama incomparable de la vie artistique, sociale et culturelle de la période 1875-1925. Plus qu’un simple portraitiste de talent, Sargent fut un chroniqueur visuel de son temps dont les toiles continuent de fasciner par leur beauté formelle, leur virtuosité technique et leur profondeur psychologique.
Philippe Escalier
Repères chronologiques
1856 : Naissance à Florence le 12 janvier de parents américains expatriés.
1874 : Arrivée à Paris en mai. Entrée à l’atelier de Carolus-Duran et à l’École des beaux-arts.
1877 : Première exposition au Salon de Paris. Remporte une troisième médaille au concours de dessin d’ornement.
1879 : Triomphe au Salon avec le Portrait de Carolus-Duran. Voyage en Espagne pour étudier Vélasquez.
1880 : Voyage aux Pays-Bas pour étudier Frans Hals.
1881 : Rencontre Whistler à Venise. Installation au 41 boulevard Berthier à Paris.
1882 : Réalise les Filles d’Edward Darley Boit et The Lady with the Rose.
1883-1884 : Travaille au portrait de Virginie Gautreau (Madame X).
1884 : Scandale au Salon avec le Portrait de Madame X. Décision de quitter Paris.
1885 : Installation à Londres. Premier séjour à Giverny chez Claude Monet.
1886 : S’établit définitivement à Londres, 31 Tite Street à Chelsea.
1887 : Triomphe à la Royal Academy avec Carnation, Lily, Lily, Rose acquis par la Tate Gallery.
1890 : Accepte la commande des peintures murales pour la Boston Public Library. Début du cycle le Triomphe de la Religion.
1892 : L’État français acquiert son portrait de la danseuse Carmencita pour le musée du Luxembourg.
1907 : Annonce qu’il abandonne définitivement la peinture de portraits sur commande pour se consacrer aux paysages et aquarelles.
1909 : Le Brooklyn Museum of Art acquiert quatre-vingt-trois de ses aquarelles.
1916 : Installation de la Madone des Sept Douleurs à la Boston Public Library.
1918 : Nommé artiste de guerre officiel. Mission sur le front occidental.
1919 : Achève et expose Gassed. Installation finale des panneaux Église et Synagogue à Boston, suscitant la controverse.
1925 : Meurt paisiblement dans son sommeil à Londres le 14 avril, à l’âge de soixante-neuf ans.
Bibliographie sélective
Catalogues raisonnés et monographies de référence
ORMOND, Richard et KILMURRAY, Elaine, John Singer Sargent: Complete Paintings, 9 volumes, New Haven et Londres, Yale University Press, 1998-2016.
PROMEY, Sally M., Painting Religion in Public: John Singer Sargent’s Triumph of Religion at the Boston Public Library, Princeton, Princeton University Press, 1999.
FAIRBROTHER, Trevor, John Singer Sargent, New York, Harry N. Abrams, 1994.
Études thématiques et contextuelles
DAVIS, Deborah, Strapless: John Singer Sargent and the Fall of Madame X, New York, Tarcher/Putnam, 2003.
CORSANO, Karen et WILLIMAN, Daniel, John Singer Sargent and His Muse: Painting Love and Loss, New York, Bloomsbury Publishing, 2022.
KHANDEKAR, Narayan, POCOBENE, Gianfranco et SMITH, Kate, John Singer Sargent’s Triumph of Religion at the Boston Public Library: Creation and Restoration, Cambridge, Harvard Art Museums, 2009.
Catalogues d’exposition récents
CORBEAU-PARSONS, Caroline et PERRIN, Paul (dir.), John Singer Sargent. Éblouir Paris, catalogue d’exposition (Paris, musée d’Orsay, 23 septembre 2025-11 janvier 2026), Paris, Gallimard, 2025.
Sargent and Paris, catalogue d’exposition (New York, Metropolitan Museum of Art, novembre 2024-février 2025), New York, The Metropolitan Museum of Art, 2024.
L’impressionnisme et les Américains, catalogue d’exposition (Giverny, musée des impressionnismes, 28 mars-29 juin 2014), Paris, Hazan, 2014.
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