Voila un spectacle qui tombe à pic ! Avec « A Simple Space », la compagnie australienne Gravity & Other Myths, à Bobino nous dit d’entrée de jeu combien elle se moque de la gravité. Fondée à Adélaïde en 2009, cette troupe d’acrobates et de musiciens a depuis parcouru le monde, laissant partout le même sillage d’enthousiasme et d’incrédulité. Leur spectacle à nul autre pareil, (oubliez tout ce que vous savez du cirque contemporain), est un bien belle surprise !

L’espace du possible

Le titre dit tout, ou presque. Un espace simple : un plateau nu, deux petites colonnes de lumières blanches qui délimitent l’aire de jeu, et rien d’autre, sinon les sièges des spectateurs qui vont pouvoir assister au spectacle sur scène. Pas de décor, pas de maquillage, pas de machinerie dissimulée dans les cintres. Ce dépouillement radical n’est pas une contrainte budgétaire mais un parti pris esthétique d’une cohérence absolue. Ce que la compagnie affiche ainsi, c’est sa confiance totale dans le corps humain comme matière première et instrument du spectacle. La scénographie, si l’on peut appeler ainsi cette absence revendiquée, oblige le regard à se concentrer sur l’essentiel : la chair, le souffle, l’équilibre et sa rupture. Christopher Lacopetta, seul musicien de la soirée, tient la pulsation de l’ensemble depuis son poste de percussionniste, guidant les enchaînements avec une précision et une énergie qui transforment la musique en colonne vertébrale invisible du spectacle. La composition d’Elliot Zoerner, mérite d’être saluée : elle sait accompagner l’effort avec toute l’énergie qui convient.

Sept corps, une seule pensée

Ashley Youren, David Trappes, Emily Gare, Georgia Webb, Hamish McCourty, Leann Gingras, Skip Walker-Milne débarquent sur scène comme une bande de copains. On sent que ces artistes se connaissent, qu’ils ont appris ensemble à tomber et à se relever, que la confiance entre eux n’est pas un effet de scène mais une réalité profondément vécue. Certains se connaissent depuis l’enfance, d’autres ont rejoint la compagnie en cours de route, mais tous partagent cette qualité rare : une présence totale, sans calcul ni distance. Avec cette décontraction solaire (très australienne) qui irrigue tout le spectacle, ils enchaînent les figures avec une fluidité déconcertante, portés, renversés, projetés, rattrapés au dernier instant, et ce qui pourrait n’être qu’une démonstration de virtuosité physique devient quelque chose de plus trouble et de plus beau, une conversation muette sur la confiance, la vulnérabilité et l’abandon consenti. L’humour surgit là où on ne l’attend pas, dans un regard échangé après une figure réussie, dans la feinte d’un échec qui n’en est pas un, dans ce concours de saut à la corde où chaque faute conduit à enlever un vêtement, bref, dans cette façon qu’ont ces sept acrobates de ne jamais se prendre au sérieux tout en donnant le meilleur d’eux-mêmes.

La proximité comme vertige

Ce qui distingue « A Simple Space » de bien des spectacles de cirque contemporain, c’est la nature de la relation qu’il instaure avec le public. La salle de Bobino, configurée pour rapprocher les spectateurs de la scène, amplifie encore cette intimité voulue, revendiquée, travaillée. On perçoit la respiration des acrobates, on ressent presque la chaleur dégagée par leurs corps en effort, on vit de l’intérieur le risque pris à chaque figure. Il n’y a plus de quatrième mur, plus de convention théâtrale qui protégerait le spectateur de ce qu’il voit : simplement des êtres humains qui repoussent leurs limites de l’équilibre et de l’agilité et cette honnêteté désarmante qui est la marque de fabrique de la compagnie.

Ce que Gravity & Other Myths offre à Paris en ce printemps 2026, c’est une leçon d’humanité déguisée en exploit physique. Rarement le cirque contemporain aura semblé aussi proche et aussi nécessaire.

Philippe Escalier – Photos © Steve Ullathorne

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« A Simple Space », création collective de la compagnie Gravity & Other Myths. Avec Ashley Youren, David Trappes, Emily Gare, Georgia Webb, Hamish McCourty, Leann Gingras, Skip Walker-Milne. Musiciens en alternance : Mik Lavage et Christopher Lacopetta. Composition musicale : Elliot Zoerner. Bobino, 14-20 rue de la Gaîté, 75014 Paris. Du 26 mars au 23 avril 2026. Durée : 1 h

Quand le bitume s’invite sous les dorures

Il y a quelque chose d’un peu vertigineux, au sens propre comme au figuré, à voir surgir la fureur d’une mégalopole imaginaire dans l’écrin feutré du Théâtre Montparnasse. Les moulures dorées, les velours bordeaux, l’architecture bourgeoise de la salle à l’italienne : tout cela jure superbement avec ce qui, dès les premières secondes, envahit la scène. Le Cirque Éloize ne s’installe pas ; il déferle.

Quatorzième spectacle en tournée mondiale

La compagnie québécoise dirigée par Élise Charbonneau et mise en scène par Jeannot Painchaud, avec la complicité chorégraphique d’Elon Hoglund, ne se contente pas de revisiter iD-Evolution, le show culte créé il y a plus d’une décennie : il en fait franchir un seuil décisif, ouvrant un nouveau chapitre dans l’histoire d’Éloize. La scénographie, résolument urbaine et traversée d’accents rétrofuturistes, est portée par un environnement sonore entièrement repensé, dont la densité et la précision confèrent au spectacle une dimension quasi cinématographique. Au centre, une armature métallique résume toute l’architecture de ce monde : une jungle d’acier autour de laquelle s’organisent les conquêtes, les défis et les célébrations d’une troupe de neuf artistes d’une incomparable virtuosité.

C’est peut-être dans l’art du mouvement urbain que la troupe révèle le mieux son identité collective. Kayden Woodridge s’empare du mât chinois avec une autorité athlétique fascinante, enchaînant poses horizontales et verticales dans une maîtrise du corps qui nous laisse pantois. Alexia Medesan ouvre des parenthèses de grâce pure dans son grand numéro de contorsionniste auquel participe Adam Dransfield, bboy et époustouflant funambule de l’équilibre sur mains. « Slinky » Bryan Boyer et « Kiki » Lakesshia Pierre, dont le hip-hop et le waacking électrisent chaque transition, incarnent cette énergie de rue que la compagnie québécoise a su transformer en langage scénique exigeant. Christophe Bate, suspendu aux sangles puis tournoyant dans sa roue Cyr lumineuse, semble échapper à toute loi physique connue.

Le prodige au guidon

Difficile, pourtant, de ne pas réserver une mention particulière à Trevor Bodogh et à son vélo de trial. Ce cheval d’acier déboule sur scène comme une aparition, frôle les corps immobiles, franchit des obstacles avec une désinvolture calculée qui arrache aux spectateurs autant de cris que d’éclats de rire nerveux. À un centimètre des premiers rangs, il s’arrête. Le silence d’après est aussi éloquent que l’exploit lui-même.

JP Deltell, enfin, tient le rôle inclassable du spectacle : comédien, danseur, jongleur, trampoliniste, il est à la fois le liant dramaturgique et le bouquet final de la soirée, jonglant avec une dizaine de balles entre des parois de verre dans un numéro dont la précision hallucinante laisse la salle sans voix avant de déclencher une ovation méritée.

La griffe Éloize

La cohésion, l’enthousiasme, l’élégance et l’éclatant brio de cette troupe pour laquelle tout parait si facile, constitue le véritable miracle du spectacle. Ce qui distingue fondamentalement Éloize de bien d’autres compagnies de cirque contemporain, c’est son refus d’opposer le spectaculaire à l’intime. Chaque numéro porte une intention dramatique, chaque virtuosité technique s’inscrit dans une narration qui, sans jamais alourdir l’ensemble, lui confère une profondeur rare. L’interaction avec le public, sollicité, embarqué, entraîné dans les rythmes de la bande-son, n’est pas un artifice de style : elle est structurelle. La salle vibre, frappe dans ses mains, retient son souffle, et finit par se lever.

Trente ans après sa fondation, Éloize n’a rien perdu de l’audace des débuts. iD-Evolution en est la preuve éclatante : un spectacle qui réussit le prodige de réconcilier, le temps d’une soirée, les dorures de la vieille Europe avec la jeunesse insolente d’un monde qui ne tient plus en place. Et qui nous offre, avec une belle générosité, le meilleur de l’univers circassien.

Philippe Escalier – © Photos : Caroline Thibault

Si vous avez aimé le Cirque Éloize, vous aimerez certainement « A Simple Space » ou le corps comme seul décor

iD-Evolution — Cirque Éloize / Théâtre Montparnasse, Paris (13-29 mars 2026)
 / Mise en scène : Jeannot Painchaud — Chorégraphie : Elon Hoglund
Avec : Alexia Medesan, Florence Amar, Kayden Woodridge, Trevor Bodogh, Christophe Bate, Adam Dransfield, Bryan « Slinky » Boyer, Lakesshia « Kiki » Pierre, JP Deltell


L’Héritage en lumière

Au carrefour des Cascades, à l’orée du Bois de Boulogne, le chapiteau familial est devenu le palais des mémoires. Avec cette 52ème création, la dynastie Gruss franchit un seuil inédit en transformant son répertoire circassien en partition chantée. L’idée de faire dialoguer l’art équestre avec les codes de la scène musicale contemporaine pourrait sembler périlleuse. Pourtant, dès l’ouverture orchestrale, l’osmose s’impose. Dirigé par Stephan Gruss avec la complicité scénographique de Grégory Antoine, ce spectacle dense refuse les facilités du divertissement formaté pour plonger dans l’intimité d’une transmission artistique bouleversante.

Le prétexte narratif se déploie avec une naïveté touchante mais non sans finesse : comment naît un spectacle Gruss ? La troupe nous convie dans les coulisses de sa propre alchimie créatrice, dévoilant les tâtonnements, les audaces, les fulgurances qui président à chaque nouvelle proposition, souvent avec une pointe d’humour. Cette mise en abyme devient le terreau d’une célébration émouvante de la famille comme creuset artistique. Trois générations se côtoient en piste, des aînées Gipsy Gruss et Svetlana Gruss jusqu’aux benjamines Gloria Florees et Venecia Florees, tissant devant nous la chaîne vivante d’un savoir-faire transmis de main en main, de regard en regard. L’absence du patriarche Alexis Gruss, disparu en 2024, plane sur l’ensemble comme une présence tutélaire que chacun honore à sa manière, par la grâce d’un souvenir, d’une figure équestre ou l’élan d’une voltige aérienne..

La cavalerie demeure évidemment l’épine dorsale de l’édifice. De nombreux chevaux de races variées évoluent sous la direction impeccable de Maud Gruss, qui perpétue l’exigence paternelle du dressage précis et respectueux. Chaque race possède ses caractéristiques propres et le spectacle célèbre cette diversité animale avec une science du rythme remarquable. Les numéros se succèdent dans une accélération progressive qui culmine avec un grand numéro de virtuosité où les cavaliers enchaînent sauts et voltiges sur des montures lancées au galop. Firmin Gruss, les jumeaux Charles et Alexandre Gruss y déploient une maîtrise confondante, mêlant puissance athlétique et légèreté chorégraphique.

Mais cette création affirme également son ambition aérienne avec une intensité troublante. Le jeune Alexander Malachikhin, nouvelle recrue de la compagnie, s’impose d’emblée par un numéro de sangles qui sidère par sa fluidité musculaire et son amplitude gestuelle. Suspendu à plusieurs mètres du sol, l’acrobate sculpte l’espace avec une élégance tout en retenue, alternant les figures de force pure et les tableaux contemplatifs où le corps semble flotter dans un ralenti onirique. Sa prestation dialogue magnifiquement avec celles de Pauline Mikolajczyk et Jeanne Gruss, qui maîtrisent le tissu aérien et le cerceau avec une grâce souveraine. L’équilibre entre l’esthétique circassienne traditionnelle et les codes contemporains du nouveau cirque s’installe ici avec fluidité, chaque artiste apportant sa singularité sans rompre l’harmonie d’ensemble.

La dimension musicale constitue l’autre grande réussite du spectacle. Les compositions originales de Sylvain Rolland, Massimo Murgia, Julien Teissier et Cyril Moret enveloppent chaque tableau d’une atmosphère spécifique, du lyrisme intimiste aux envolées festives. Margot Soria, chanteuse de talent et coautrice des textes, habite la scène vocale avec un tempérament affirmé. L’orchestre en direct, composé de sept musiciens, insuffle une énergie palpable que nulle bande préenregistrée ne saurait égaler. Cette présence sonore vivante dialogue constamment avec les corps en mouvement, créant une texture sensible où le geste et la note se répondent dans un jeu de miroirs subtil.

La scénographie de Grégory Antoine, conjuguée aux costumes de Sylvain Rigault, opte pour une palette chromatique éclatante sans verser dans le clinquant. Lumières changeantes, jeux d’ombres sur la toile du chapiteau, accessoires minimaux qui laissent toute latitude aux corps et aux animaux : tout concourt à faire de la piste un espace de projection imaginaire où chaque spectateur peut broder sa propre rêverie. L’ensemble respire une générosité franche, un désir communicatif de partager l’excellence sans ostentation.

Qui mieux que les Gruss pouvait célébrer la famille avec autant de conviction et de force ? Le spectacle possède cette vertu cardinale de conjuguer une extraordinaire technique et une profonde humanité. Dans ce grand moment d’unité, aucun numéro ne semble gratuit, chacun s’inscrit dans la trame narrative comme une confidence ou un aveu. Célestine Gruss, Olivia Gruss, les sœurs Florees : tous affirment leur personnalité propre tout en servant une vision collective qui transcende les ego. Cette cohésion familiale, loin d’être une simple image d’Épinal, irrigue chaque instant du spectacle d’une authenticité rare dans l’univers du divertissement contemporain.

Les Folies Gruss signent avec cette 52ème création une œuvre mûre et profondément émouvante, qui honore la mémoire d’Alexis Gruss tout en projetant la compagnie vers de nouveaux horizons. Entre tradition équestre et audaces scéniques, intimité familiale et ambition spectaculaire, Stephan Gruss et les siens trouvent un équilibre fragile et précieux. Un spectacle habité, généreux, drôle, qui fait briller dans nos regards d’adultes la lumière intacte de l’enfance et qui nous a profondément touché.

Philippe Escalier – Photos © O. Brajon

Le 50^ème anniversaire de cette grande dynastie circassienne ne pouvait se fêter qu’avec un spectacle exceptionnel. C’est bien ce à quoi nous convie la famille Gruss, pendant plusieurs mois, sous leur grand chapiteau installé au Carrefour des Cascades à l’orée du Bois de Boulogne depuis 2001.

Cet anniversaire est majeur à double titre. Il célèbre un demi-siècle de vie artistique parisienne de la Compagnie Gruss consacrée au cirque et à l’art équestre. C’est aussi un hommage marqué, à Alexis Gruss, disparu le 6 avril dernier. De fait, « Les Folies Gruss » conçues comme une comédie musicale, avec la présence d’un orchestre, dans une mise en scène originale faisant appel à 50 chevaux et à 25 artistes, frappe un grand coup. Le spectacle mêle l’art équestre, la musique et les performances aériennes, tout en racontant une séduisante histoire dans un décor modernisé, totalement repensé.

Stephan Gruss assure la direction artistique, brillamment assisté à la mise en scène et à la scénographie par Grégory Garell, qui signe aussi la chorégraphie et la composition musicale qui a su faire la part belle à un excellent duo de chanteurs, Candice Parise et Xavier Ducrocq. Dans cette réjouissante ambiance, la troupe composée pour l’essentiel de la famille Gruss peut proposer durant 1 h 30 des numéros surprenants de virtuosité. Impossible de ne pas remarquer les jumeaux Charles et Alexandre Gruss, dignes représentants de la sixième génération et qui comptent parmi leurs plus belles récompenses, un Clown d’Or attribué cette année à leur étonnant et périlleux travail de jonglerie à cheval.

Cette célébration grandiose de l’héritage de la famille Gruss, met parfaitement en lumière leur talent et leur passion pour les arts du cirque. Très abouties, « Les Folies Gruss » séduisent tout autant les adultes qu’un très jeune public qui reste béat d’admiration devant la magie qui prend vie sous leurs yeux… pour le plus grand plaisir de leurs parents !

À noter que les spectateurs qui veulent rester dans cette ambiance festive et souhaitent prolonger leur visite, peuvent profiter d’une restauration faite maison, rythmée et agrémentée, encore et toujours, par des performances artistiques et musicales.

Philippe Escalier

Photos © Eloise Vene et © Olivier Brajon

Moment rare qui conjugue l’art circassien et l’humour le plus décoiffant, le remarquable spectacle donné par la jeune compagnie québécoise « La Machine de cirque » à La Scala tient le public en apesanteur pendant 1 h 30. Jubilatoire !

Des moments de cirque nous en avons vu pléthore ! Mais aussi passionnant, aussi abouti, aussi drôle et touchant, il faut convenir que c’est assez rare. Seul un travail d’équipe talentueuse, soudée et complice pouvait permettre d’atteindre un tel degré de réussite.
La Machine de cirque a été créée en 2013 dans le double but de placer ses productions sous le signe de l’excellence tout en assurant un épanouissement artistique et personnel durable pour ses membres. L’objectif est atteint. Les quatre artistes assurant les performances scéniques (de tout premier ordre) ont aussi participé à l’écriture et à la mise en scène du show placé sous l’égide de Vincent Dubé. Tout à la fois acrobates, voltigeurs et jongleurs, Yohann Trépanier, Raphaël Dubé, Ugo Dario, Maxim Laurin et Elias Larsson vont nous offrir une série de numéros spectaculaires, mat chinois, trapèze, planche coréenne (à couper le souffle), monocyle, j’en passe et des meilleurs !

Pour cimenter leurs prestations, Frédéric Lebrasseur est appelé à la rescousse. Ce percussionniste, guitariste et bruiteur se charge de la musique tout en faisant partie intégrante du spectacle qu’il n’hésite pas à troubler avec espièglerie, quand bon lui semble. L’osmose entre eux est totale et la direction artistique de Vincent Dubé est un modèle du genre, avec un humour déjanté auquel personne ne saurait résister, mettant parfaitement en valeur la qualité artistique des numéros. Rire et poésie font corps grâce au savoir-faire efficace et percutant caractéristique du professionnalisme des artistes nord-américains. Le numéro des serviettes, exceptionnel moment de détente, délicieusement aguicheur (peut-être le plus risqué !), comme celui du monocyle (qui mélange dextérité et délire), démontrent les qualités comiques d’une troupe formidablement douée, ne se prenant jamais au sérieux. Tout est d’une extrême précision, y compris les moments désopilants, toujours d’une justesse exemplaire. Le public adhère dès les premières minutes et marque son plaisir par des applaudissements aussi nombreux que chaleureux. C’est peu dire que La Machine de cirque nous apporte joie et plénitude. Redevenus à leur contact de grands enfants, nous savourons ce moment léger, plein d’originalité aussi joyeux que techniquement impressionnant, en un mot : irrésistible !

Philippe Escalier

La Scala Paris : 13, boulevard de Strasbourg 75010 Paris
Du mardi au samedi à 18 h 30, dimanche à 18 h
01 40 03 44 30 – https://lascala-paris.com/